Mozart - Grieg - Kurcz | Sonata KV. 545 - I
Curiosa adaptación orquestal de la adaptación para dos pianos que hizo E. Grieg sobre la Sonata KV. 545 de W. A. Mozart.
Sviatoslav Richter: Reflexiones
Hace unos días tuve la suerte de ver y poder copiar el programa de mano de un concierto que ofreció, nada más y nada menos que Sviatoslav Richter, el 17 de febrero de 1990 en el Hotel Don Carlos de Marbella.
Lo primero que llama la atención al ver el programa es que dedica más del doble de espacio a justificarse que a exponer su currículum. Aquí lo tenéis, merece la pena leerlo:
SVIATOSLAV RICHTER
Nacido en Jitomir (Ucrania), aunque de origen alemán, éste gran pianista es hijo de un compositor y profesor del conservatorio de Odessa, ciudad donde transcurrió su infancia y adolescencia.
A los 15 años ingresa en el Teatro de la Ópera de Odessa trabajando primero como pianista acompañante y siendo nombrado poco después director ayudante sustituto.
En 1937 se traslada a Moscú, inscribiéndose en el Conservatorio de esta ciudad como alumno del célebre pianista Heinrich Neuhauss, al que siempre llamará su "segundo padre musical".
En 1940 su carrera como concertista se inicia de modo fulgurante con el estreno mundial de la Sonata nº 6 de Prokofiev, que el compositor acababa de sacar a la luz. Años más tarde, el mismo Prokofiev le dedicaría su Sonata nº 9.
A partir de esa fecha, su carrera ha sido una ininterrumpida serie de éxitos por todo el mundo y la amplitud de su repertorio es la mejor muestra del profundo interés y la curiosidad insaciable del Maestro por todo cuanto esté relacionado con la Cultura y el Arte en cualquiera de sus expresiones.
¿POR QUÉ NUNCA TOCO SIN PARTITURA?
Desgraciadamente tardé bastante tiempo en decidirme a tocar con la partitura en mis conciertos, aunque ya había llegado mucho antes al convencimiento de que así debía hacerse.
Es una curiosa paradoja que en épocas pasadas, cuando el repertorio pianístico era mucho más reducido e infinitamente menos complejo, tocar con partitura era la norma; sana costumbre que Liszt desterraría.
Hoy en día, nuestra mente está obligada a ocuparse no solo con la música, sino también con otras mil cosas que la abruman, fatigándola inútilmente.
¡Qué pueril vanidad, cuanto trabajo estéril y agotador requieren esas proezas memorísticas, cuando lo único importante es hacer buena música que llegue al auditorio! Rutina lamentable en la que se complace la falsa gloria y que ya criticaba mi querido maestro Heinrich Neuhaus.
La llamada al orden que supone tener la partitura a nuestra vista previene de esas licencias que se da en llamar "libertad" ó "individualidad" del intérprete y con las que, a la vez, se tiraniza al público y se corrompe la música cuando lo único que son es falta de humildad y de respeto por ambos, música y público.
Desde luego, no resulta fácil el llegar a sentirse totalmente libre cuando se toca con partitura y se necesita tiempo y esfuerzo hasta convertirlo en un hábito espontáneo. De ahí la conveniencia de comenzar a practicarlo lo antes posible.
Mi consejo a los jóvenes pianistas sería: Adoptad éste método sano y natural que os permitirá no abrumaros con la repetición de los mismos programas una y otra vez y que os dará a vosotros la posibilidad de una vida musical mucho más rica y diversa.
¿POR QUÉ TOCO CON TAN POCA LUZ?
No es por mí, ni tampoco por esas misteriosas razones que me atribuyen y que varían según la idea, malévola o halagadora, que de mí quieran hacerse: sencillamente, es por el público. Vivimos en una época de "vouyerismo" y nada hay más funesto para la música. El movimiento más o menos rápido de los dedos, la gesticulación del rostro, no son en absoluto el reflejo de la música sino el del trabajo sobre ella y en ningún caso ayudan a su mayor o mejor comprensión; las ojeadas sobre la sala y los espectadores son obstáculos para la concentración del auditorio cuya imaginación se ve desviada de la música y su intérprete. La Música debe llegarnos siempre pura y directamente.
Con mis mejores deseos y la esperanza de que la oscuridad favorezca el recogimiento, ¡nunca el sueño!.
Educación Musical Temprana
Hemos de entender la música como parte integral en el desarrollo de los niños y niñas.
La meta de la educación musical no debe ser solamente la de crear músicos profesionales, sino también formar seres humanos, con valores como la perseverancia, el afán de superación, y la confianza en sí mismos. La música desarrolla la memoria, la autoestima, la concentración, la coordinación, la socialización y sobre todo la sensibilidad.
La educación músico-instrumental desarrolla el sentido del ritmo, lo que incide en la formación física y motora de los niños y niñas, proporcionándoles un mejor sentido del equilibrio, lateralidad y motricidad. Desarrollar el oído no sólo sirve para el estudio de la música, sino para el resto de su formación intelectual.
El estudio de la música, la disciplina y continuidad que se presupone, así como el esfuerzo en la consecución de una meta, el adiestramiento motriz, el desarrollo del sentido del ritmo además de la educación auditiva, no son aspectos de utilidad estrictamente musical, sino que producen un efecto de transferencia a los demás aspectos intelectuales, sensoriales y motrices. La música le proporciona un aprendizaje del esfuerzo como metáfora de la vida adulta en la que para alcanzar sus metas deberá esforzarse y aprender equivocándose.
Beneficios de la Educación Musical:
Beneficios de la Educación Musical:
- La formación musical temprana ayuda a desarrollar las áreas del cerebro implicadas en el lenguaje y el razonamiento.
- Existe una relación de causalidad entre la música y la inteligencia espacial (capacidad de percibir el mundo con precisión y formar imágenes mentales de las cosas).
- Los estudiantes de música aprenden a pensar creativamente y a resolver problemas, imaginando diversas soluciones, rechazando las reglas y supuestos obsoletos.
- Aumento del Coeficiente intelectual. En un estudio publicado en 2004 por la revista Psychological Science y realizado por la Universidad de Toronto sobre varios grupos de niños de 6 años, se encontró un pequeño aumento del C.I. en los niños que recibieron clases semanales de voz y piano. Sorprendentemente, los niños que recibieron estas clases de música durante todo el año escolar promediaban tres puntos de coeficiente intelectual más que los otros grupos al final del curso.
- A través del estudio del instrumento, los estudiantes aprenden que la constancia, la perseverancia y el esfuerzo en el trabajo diario siempre se ve recompensado.
- El estudio de la música mejora la habilidad de trabajar en equipo y la disciplina.
- La música proporciona a los niños un medio de auto-expresión, a la vez que mejora la autoestima que es un subproducto de esa auto-expresión.
- Las actuaciones musicales en público enseñan a los jóvenes a vencer el miedo y a asumir riesgos. Un poco de ansiedad es algo bueno, y algo que van a tener que padecer a menudo en la vida. Lidiar con ella con frecuencia y a edades tempranas provocará menos problemas en el futuro. La asunción de riesgos es esencial para que un niño desarrolle al máximo su potencial.
- La música contribuye a la salud mental y puede ayudar a prevenir conductas de riesgo como el consumo de drogas en la adolescencia.
Grigory Sokolov en el Teatro de Los Campos Elíseos (2002)
En 2002, Bruno Monsaingeon, conocido internacionalmente por su película sobre Glenn Gould y el intrigante documental sobre Richter ("El Enigma"), hizo una película de un concierto de piano que Grigory Sokolov ofreció en el Théâtre des Champs-Élysées, en París. Monsaingeon fue capaz de superar la privacidad, las excentricidades y las reservas de Sokolov y pudo rodar su película el 4 de noviembre de 2002. Las condiciones de Sokolov fueron muy simples, que se hiciera en vivo, sin repeticiones y sin nada que atentara contra su concentración. Esto significaba evitar la presencia perceptible de micrófonos, luces y cámaras.
Monsaingeon considera a Sokolov como uno de los más grandes pianístas de la historía, junto a Michelangeli, Gould y Richter, y, además, el pianista vivo más grande
Grigory Sokolov captó la atención internacional cuando en 1966 el jurado del Concurso Internacional Tchaikovski de Moscú, presidido por Emil Gilels, le concedió por unanimidad la Medalla de Oro. Al parecer, la decisión resultó ser una sorpresa: "el pequeño Grisha Sokolov de tan solo dieciséis años había resultado ganador en aquella competición y, sin embargo, nadie lo tomó en serio en aquella época."
A pesar del prestigio internacional obtenido tras ganar el Concurso, la carrera internacional de Sokolov no despegaría hasta finales de los 80'.
Monsaingeon considera a Sokolov como uno de los más grandes pianístas de la historía, junto a Michelangeli, Gould y Richter, y, además, el pianista vivo más grande
Grigory Sokolov captó la atención internacional cuando en 1966 el jurado del Concurso Internacional Tchaikovski de Moscú, presidido por Emil Gilels, le concedió por unanimidad la Medalla de Oro. Al parecer, la decisión resultó ser una sorpresa: "el pequeño Grisha Sokolov de tan solo dieciséis años había resultado ganador en aquella competición y, sin embargo, nadie lo tomó en serio en aquella época."
A pesar del prestigio internacional obtenido tras ganar el Concurso, la carrera internacional de Sokolov no despegaría hasta finales de los 80'.
Aquí tenéis la película de Monsaingeon. Disfrutad de dos horas magníficas.
Repertorio del Concierto:
Beethoven: Sonata nº 9 en Mi M, Op. 14, nº 1Beethoven: Sonata nº 10 en Sol M, Op. 14 nº 2Sonata nº 15 en Re M, Op. 28: “Pastoral”Komitas : Six dances for pianoProkofiev: Sonata nº 7 en Si bemol M, Op. 83Chopin: Mazurka en Do sostenido menor, Op. 63, nº 3Couperin: Le tic-toc-choc or Les maillotinsCouperin: Soeur MoniqueChopin: Mazurka en Fa menor, Op. 68, nº 4Bach (arr. Alexander Siloti): Preludio en Si menor (after BWV 855a)
Desafortunadamente, el vídeo ha sido ha sido borrado de Youtube. ¡Una lástima!
Pianistas de Jazz
Aquí, algunos de mis pianistas de jazz favoritos. Pasa el ratón por las imágenes y veras sus nombres.
Audiciones Comparadas: Beethoven - Sonata para piano n.º 21
La sonata para piano n.º 21 en Do mayor, Op. 53 de Ludwig van Beethoven, conocida comúnmente como Waldstein, recibe su nombre de la dedicatoria de Beethoven al Conde Ferdinand von Waldstein. Junto con la Appassionata, están consideradas como las sonatas para piano más importantes de su periodo central (1802-1816).
Tiene tres movimientos:
I - Allegro con brio
II - Introduzione. Adagio molto - attacca
III - Rondo. Allegretto moderato
A continuación tenéis cuatro versiones de esta sonata, a cargo de Leonard Gilbert, Daniel Barenboim, Emil Gilels y Claudio Arrau, repectivamente. ¡Disfrutad!
Tiene tres movimientos:
I - Allegro con brio
II - Introduzione. Adagio molto - attacca
III - Rondo. Allegretto moderato
A continuación tenéis cuatro versiones de esta sonata, a cargo de Leonard Gilbert, Daniel Barenboim, Emil Gilels y Claudio Arrau, repectivamente. ¡Disfrutad!
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Escalas de Jazz II - Escalas Bebop
Mientras aprendemos a tocar con las escalas mayores, las escalas menores melódicas y todos los arpegios que necesitamos para viajar por los caminos del jazz, hay una escala que puede ser la herramienta más importante para nuestras improvisaciones, la Escala Bebop.
Si hay una escala que define el sonido del jazz por excelencia, esa es la Escala Bebop. Esta escala, y sus variantes, han sido utilizadas por la inmensa mayoría de los músicos de jazz de
los últimos 100 años, músicos como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Pat
Martino, Bud Powell o Johnny Smith, entre otros. Por lo tanto, es una escala
fundamental a la hora de aprender a tocar jazz.
A continuación veremos una a una cada Escala Bebop, cómo se construyen
y cómo se pueden aplicar a nuestras improvisaciones.
Escalas de Jazz I - Escalas Modales y Blues
Las escalas son uno de los recursos musicales más importantes. Nos proporcionan conocimientos teóricos acerca de la disposición de las notas en un discurso musical y son una parte esencial en la interpretación, improvisación y composición.
A continuación os presento algunas de las escalas más utilizadas en el jazz.
- Escalas Modales
- Escalas de Blues
- Escalas Bebop
Creando Frases de Jazz
Las frases de jazz moderno se componen frecuentemente de una combinación de dos a tres elementos que consisten en lo siguiente:
• Pasajes basados en una escala.
• Arpegios e intervalos armónicos.
• Notas auxiliares (notas vecinas, notas de paso y giros).
Los pasajes basados en una escala consisten normalmente de
grupos (estructuras) de cuatro notas, los cuales pueden ser consecutivos o
contener un salto (Fig.1).
Fig. 1
Mauricio Pollini. Los Estudios de Chopin 52 años después.
¿Por qué hemos tenido que esperar más de cincuenta años para que escuchar esta grabación?
En 1960, justo después de ganar el primer premio en el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin de Varsovia, Maurizio Pollini firmó un contrato en exclusiva con el sello discográfico EMI, cuyos frutos fueron la grabación del Primer Concierto de Chopin con la Orquesta Philharmonia (abril de 1960), y una segunda grabación con los 24 estudios del compositor polaco (septiembre de 1960). El concierto se publicó con gran éxito y sigue siendo hoy una referencia, sin embargo, y por motivos que se desconocen, Pollini se negó en redondo a que se publicara la grabación de los estudios de Chopin, realizada en los estudios Abbey Road de Londres.
Pollini tenía entonces 18 años, y faltaban aún doce años para que volviera a grabar los estudios, para Deutsche Grammophon, con una grabación que se convertiría en referencia del pianismo del siglo XX.
Ambas grabaciones guardan muchas similitudes. Sin embargo, la primera, ahora recuperada, se caracteriza por un toque más ligero, mayor frescura, ímpetu y una mayor libertad musical. El mismo virtuosismo perfecto, el mismo artista, pero sin el peso de su propio nombre y sin la guía de Arturo Benedetti Michelangeli, con quien comenzaría a trabajar muy poco después.
Ambas grabaciones guardan muchas similitudes. Sin embargo, la primera, ahora recuperada, se caracteriza por un toque más ligero, mayor frescura, ímpetu y una mayor libertad musical. El mismo virtuosismo perfecto, el mismo artista, pero sin el peso de su propio nombre y sin la guía de Arturo Benedetti Michelangeli, con quien comenzaría a trabajar muy poco después.
Los tempos de ambas versiones son prácticamente idénticos, aunque en los estudios lentos (como los números 3 y 6 de la Op. 10, y 7 y 22 de la Op. 25) ralentiza la expresión y se regodea aún más, si cabe, en su belleza melódica. El uso del pedal es también más comedido, lo que incide en una sonoridad más nítida y directa. Se trata, en definitiva, de una versión más espontánea y libre y, quizás, más cómplice con el estilo del Chopin veinteañero que compone los estudios. En cualquier caso, es Pollini en estado puro.
Un fragmento de cada estudio lo podemos escuchar aquí.
¡Disfrutadlo!
Descubierta Nueva Pieza para Piano de Johannes Brahms
El pasado 21 de enero la emisora británica Radio 3 en su programa Music Matters presentó el descubrimiento oficial y la primera interpretación en Europa de una pequeña obra para piano, inédita hasta la fecha, del compositor alemán Johannes Brahms. Se trata de una pequeña pieza de poco más de 2 minutos de duración llamada "Albumblatt en La menor" que fue compuesta en 1853 (cuando Brahms tenía sólo 20 años) y cuya primera interpretación se la debemos al célebre pianista húngaro Andras Schiff.
La pieza, que ya muestra con claridad las características del estilo brahmsiano, utiliza el mismo material musical que en el segundo movimiento del Trio para Trompa Op. 40, compuesto 12 años más tarde.
La obra fue descubierta en abril del pasado año por la casa de subastas Doyle de New York, cuando Michael Struck pidió la verificación de un libro que se iba a subastar, el “Album Amicorum of Arnold Wehner”. Arnold Wehner fue Director de Música de la Universidad Gottingen entre 1846 y1855. En su Álbum aparecen fragmentos musicales y citas de los más célebres compositores y músicos de su época, incluídos Brahms, Robert y Clara Schumann, Mendelssohn, Rossini y Liszt.
Aquí tenéis en PDF la partitura para piano.
Y si pinchais sobre la imagen de abajo tendreis una copia escaneada del original.
Y si pinchais sobre la imagen de abajo tendreis una copia escaneada del original.
Y por último, la grabación realizada por Andras Schiff. ¡Disfrutad de esta pequeña joya!
Mussorgsky - Cuadros de una Exposición
El pasado 28 de marzo, se conmemoró el 130 aniversario de la muerte de Modest Petróvich Mussorgsky (1839-1881) y, desde aquí, lo vamos a recordar con una de sus obras más famosas, Cuadros de una exposición.
Se trata de un conjunto de diez piezas compuestas originalmente para piano, aunque probablemente sea más conocida la versión para orquesta hecha por Ravel. Mussorgsky compuso esta obra inspirado por la exposición póstuma de diez pinturas y escritos de su gran amigo, el artista y arquitecto Viktor Alexandrovich Hartmann, quien había muerto a los 39 años de edad. Como homenaje a él, Mussorgsky quiso "dibujar en música", algunos de los cuadros allí expuestos.
Krystian Zimerman - Grazyna Bacewicz (2011)
Después de 5 años ausente de las grabaciones, el genial pianista Krystian Zimerman vuelve a los estudios de grabación para celebrar el centenario del nacimiento de su compatriota Grazyna Bacewicz (1909-1969), la compositora polaca más importante del siglo XX. Personalmente yo sólo conocía de Bacewick sus cuartetos de cuerdas, que por su forma contenida, elegante y abierta eran simplemente insuperables, en cuanto a la música moderna Polaca se refiere. Para este homenaje Zimmerman opta por tres rarezas enormemente imaginativas, los Quintetos para Piano 1 y 2 y la Sonata para Piano nº 2. Le acompañan en los quintetos cuatro destacados músicos Polacos, a la par que amigos, Kaja Danczowska (violín), Agata Szymczewska (violín), Ryszard Groblewski (viola) y Rafal Kwiatkowski (violonchelo). El disco está disponible en Europa desde principios de este mes de marzo. El mercado Americano tendrá que esperar hasta el próximo 5 de abril.
The Flying Machine – The World of Chopin’s Études
Producida para commemorar el bicentenario del nacimiento de Chopin, The Flying Machine: The World of Chopin’s Études (La Máquina Voladora: El Mundo de los Estudios de Chopin), es la primera película en 3D que se ha estrenado dentro de una sala de conciertos, y también la primera película que combina acción en vivo y stop-motion en 3D.
A caballo entre la animación y las imágenes reales, esta impresionante película ha reunido a nueve de los directores de animación con más proyección del momento con uno de los grandes compositores que ha dado la historia, para crear el matrimonio más poderoso entre animación y música clásica desde Fantasía de Walt Disney.
Es un largometraje elaborado por una serie de cortometrajes independientes unidos por una banda sonora conmovedora, tocada al piano por el magnífico pianista Lang Lang, que además es uno de los protagonistas junto a Heather Graham.
La película está realizada con tecnología 3D y ha sido producida en los estudios Breakthru de Polonia, contando con un presupuesto de más de 4 millones de euros. Lang Lang, indiscutible estrella mediática del piano actual (al que tendremos en el Auditorio Nacional de Música de Madrid del 9 al 13 de marzo), ha comentado que “la animación y la música están estrechamente ligadas”. Para el músico de Shenyang, la película, Fantasía de Walt Disney “introdujo en la música clásica a muchas generaciones”, por lo que para él la idea de convertirse en un dibujo animado “era irresistible”.
La presentación mundial de The Flying Machine se produjo el pasado 12 y 13 de febrero en el Royal Festival Hall de Londres y el propio Lang Lang interpretó la banda sonora en directo. Se desconoce cuando llegará a España, pero estaremos atentos.
Algunas fotos de la película las podemos ver aquí.
Ahí va el trailer ....
... y otro más: Lang Lang - Behind the Scenes
Y para terminar, otro video más que hará las delicias de los seguidores de este fantástico pianista. Se trata de Lang Lang haciendo un duo con su padre. Duo de "Erhu" y Piano tocando una canción tradicional China, "Carrera de Caballos", en el Carnegie Hall (Gracias a Estefanía por la información).
¡A disfrutar!
¡Feliz 255 Cumpleaños, Mozart!
El pasado 25 de enero se celebró el 255 aniversario del nacimiento de Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque con un poco de retraso, lo vamos a celebrar con un pequeño regalo, un facsímil de una de sus primeras piezas, el minuetto en Sol M, KV 1.
... y además un enlace muy interesante:
Mozart's Thematic Catalogue
Este manuscrito es un registro de las composiciones de los últimos siete años de la vida de Mozart, y por lo tanto es un documento de singular importancia.
Durante este período, desde febrero de 1784 hasta diciembre de 1791, compuso muchas de sus obras más conocidas, incluyendo sus cinco óperas de madurez, varias de sus mejores sonatas para piano, y sus tres últimas grandes sinfonías, así como otras famosas obras menores. Fue una época turbulenta de su vida, con la crisis financiera, la tragedia de su familia, y su constante e infructuosa búsqueda de una posición permanente en la corte.
Mozart organizó las entradas en el catálogo en el orden en que habían sido terminadas. En las páginas de la izquierda introdujo cinco composiciones, cada una con su fecha, título, y a menudo su instrumentación. A veces añadía información adicional como el nombre del cantante, donde fue compuesta, o quien había encargado la obra. Dividió la página de la derecha en cinco pares de pentagramas en los que escribió los primeros compases de cada obra.
Según la descripción que figura en la portada, Mozart tenía previsto incluir todas sus composiciones, pero hay algunas omisiones de poca importancia. Curiosamente, también hay entradas en el catálogo de una serie de obras que desde entonces se han perdido.
Mozart hizo su última entrada en el catálogo apenas tres semanas antes de su prematura muerte, en diciembre de 1791. Su última gran obra, el réquiem, no lo introdujo, ya que quedó inacabado a su muerte.
Año Liszt
"Bach constituye los cimientos de la forma de tocar el piano, y Liszt la cumbre. Los dos hacen posible la interpretación de Beethoven" (F. Busoni).
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El 22 de octubre de este año se cumplirá el bicentenario del nacimiento de este genial pianista, compositor, precursor e innovador.
Franz Liszt (1811-1886) es el realizador de la revolución pianística iniciada por Chopin. Liszt saca al piano de los salones para llevarlo a los grandes escenarios, sin perder las conquistas en el campo de la poesía y del cantabile de Chopin. Es el inventor del recital solista y entre las muchas facetas que abarcó, destacan la de pianista, compositor, director de orquesta, crítico musical, profesor y abad.
Su técnica virtuosística y su manera de abordar el instrumento deslumbraba incluso a quienes no congeniaban con él (Mendelsshon, Clara Wieck, Chopin...). Su música se distingue por el exhibicionismo, los efectos calculados, la resolución triunfal de enormes dificultades técnicas, todo para asombrar.
Liszt fue el pianista más influyente del siglo XIX, y una de las personalidades más importantes de su tiempo. Se le considera, además, como uno de los pioneros de la "música programática", que trata de evocar ideas, imágenes extramusicales o estados de ánimo. Fue uno de los innovadores de la armonía del siglo XIX, sobre todo en el uso de complicados acordes cromáticos. Su virtuosismo, su técnica compositiva y sus armonías cromáticas influirán en todos los compositories posteriores a él
El Año Liszt fue inaugurado oficialmente el 22 de enero, Día de la Cultura Magiar, con un concierto de la Filarmónica Nacional de Hungría, en colaboración con el afamado pianista húngaro Zoltán Kocsis. Se prevé que durante todo este año, tanto en su Hungría natal, como en muchos países de todo mundo se celebrará por todo lo alto este cumpleaños con conciertos, recitales de piano, exposiciones, conferencias, etc.
El catálogo completo de su obra se puede encontrar aquí:
Y para terminar, aquí teneis en PDF un facsímil de una Rapsodia Húngara de Liszt
La Casa del Piano
Para empezar, y haciendo referencia al título del artículo, os muestro una curiosa edificación con forma de piano gigante que se encuentra en la ciudad de Huainan, provincia de AnHiu, en China. El nombre de este edificio es "The Piano House" y fue diseñado por los estudiantes del Departamento de Arquitectura de la Hefei University of Technology, en 2007.
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La Calle del Piano
El piano es uno de los instrumentos musicales más versátiles y populares que existe. Desde la Música Clásica al Rock ´nd Roll, pasando por el Blues, el Jazz, el Pop, la Música Contemporánea o el flamenco, el piano es capaz de desenvolverse perfectamente en cualquier estilo musical y sin duda alguna, jugará un papel importante en los estilos musicales futuros.
La Calle del Piano nace sin grandes pretensiones, simplemente por la idea de tener un lugar donde compartir noticias, artículos, partituras, material didáctico y curiosidades sobre este fantástico instrumento. Espero que os guste y que pueda ir aportando artículos y novedades todas las semanas.